Бернгардт Валерия
Апрель 2022
Товарные знаки 70-х годов

1970-е. Десятилетие, о котором забыли

Графический дизайн в 1970-х годах был ярким и выразительным, но почему-то не остался в памяти так же четко, как 80-е или 90-е
Графический дизайн в 1970-х годах был полностью сосредоточен на ярких и контрастных цветах с формами букв, похожими на воздушные шары. Это было так, как если бы шрифты с засечками 60-х годов были съедены округлой типографией десятилетия. Однако плакаты психоделических рок-концертов остались и добавили ярких и славных 70-х. Расклешенные брюки и диско правили десятилетием. Некоторые ненавидели это, другие испытывают по этому поводу ностальгию. В любом случае, графический дизайн в 1970-х годах должен был быть экспериментальным. Все играли в разных стилях и типах. Это было веселое и запоминающееся время для всех.
If a building becomes architecture, then it is art
Особенности эпохи
Это клише - описывать 1970-е как "десятилетие, которое стиль забыл", все эти вспышки и бакенбарды, броскость и твердость. Но, что еще хуже, это все неправда. Десятилетие - это несколько сдвигов в дизайнерском мышлении, которое можно аккуратно уложить в десятилетия - было, скорее, периодом экспериментальной энергии и в значительной степени непризнанного радикализма, полного смелых взглядов и, что, возможно, более важно, смелых идей, от продуктов до архитектуры и моды.

”Проблема, с точки зрения восприятия, заключается в том, что 70-е годы были зажаты между 60-ми годами, периодом утопического мышления, и 1980-ми годами, "десятилетием дизайнеров", когда дизайн стал желанным", - утверждает Пенни Спарк, профессор истории дизайна в Кингстонском университете, - “Это может затруднить понимание десятилетия [с точки зрения дизайна]. Скажите ‘50-е" или "60-е", и люди сразу поймут, что имеется в виду. ”70-е", однако, кажутся довольно потерянными, потому что это был такой трудный, переходный, но не менее важный период".


Индивидуальное самовыражение в графическом дизайне, завоеванное в 1960-х годах, все еще восторжествовало в 1970-х годах. Однако, как только радикалы поняли, что они не могут реформировать мир вне традиционной политики, они либо подчинились (во второй половине 1970-х годов), либо восстали против нормы и вместо этого выразили свой радикализм художественно. Этот путь был способом работы 1970-х годов.
Графика 1970-х годов. Плакат
Многие люди рассматривают графический дизайн 1970-х годов как стилистическую пародию. Иногда его считают “темной лошадкой или белой вороной” века, несмотря на красочный дизайн и округлые формы, которые доминировали в ту эпоху. Но в своих лучших проявлениях 1970-е были высококлассными и бесстрашными с точки зрения дизайна. На сегодняшний вкус это может быть чересчур. Тем не менее, мы не можем отрицать, что он по-прежнему служит источником вдохновения для современных графических дизайнеров, ищущих ретро-стиль.

Графика 1970-х годов. Плакат
Графический дизайн в 1970-х годах стал свидетелем эволюции рекламы. В эту эпоху крупным планом лица людей, заявляющих о своей преданности продукту, стали нормой. Карикатуры и рисунки наполнены антропоморфными персонажами. Фотография также стала более популярной. Фотографии часто были ослепительными или в оттенках серого. Коллажи также широко использовались вместе с привлекательной типографией. Угрюмые, резко нарисованные домохозяйки 50-х годов также были заменены жизнерадостными человеческими существами.
Плакат реклама "Бургер Кинг"
Иллюстрации не исчезли, но они стали частью фотографии, чтобы улучшить ее, а не чем-то самостоятельным. Поскольку фотография и люди, ручающиеся за продукт, стали нормой, знаменитости также использовались для одобрения продуктов. Поскольку в рекламе чаще использовались реальные люди, также имело смысл использовать известных людей для продвижения бренда.
Постмодернистский дизайн также начал появляться в 1970-х годах. Дизайнеры начали перенимать отвергнутые исторические стили. Они экспериментировали с ними, делая их более преувеличенными и забавными. 1970-е годы были отличным десятилетием для того, чтобы попробовать что-то новое в графическом дизайне и протестировать различные стили.
Графический дизайн в 1970-х годах формировался смелыми художниками, которые осмеливались исследовать новые формы самовыражения и визуальной коммуникации.
Влиятельные люди 70-х
О тех, кто создал новые бренды и дал толчок к развитию графического дизайна на многие года
Нэвилл Броуди
Проекты Невилла Броуди были новыми и непроверенными. Он стремился к новому виду журнального искусства, которое шло бы вразрез с традиционными методами печати и дизайна. В своей работе он хотел отразить и представить меняющийся ландшафт Лондона в его время. Он считает, что черпание вдохновения из нынешнего климата может помочь сформировать вас как дизайнера.
Разворот журнала иллюстратор Н.Броуди
Разворот журнала иллюстратор Н.Броуди
Броуди много экспериментировал создавая все обложки вручную, он не только рисовал, но и фотографировал трехмерные объекты (например, гипсовые руки для обложки 23 Skidoo), совмещая их с другими элементами оформления. Эксперименты Броуди определили развитие дизайна на много лет вперед — он был одним из первых, кто порвал с «гладким» и сдержанным модернистским дизайном, который был популярен на протяжении нескольких десятилетий. Кроме того, в конце 70-х Броуди начал работать в The Face — журнале о поп-культуре, который за год до этого основал британский музыкальный журналист Ник Логан, работавший до этого в NME, первом издании в Великобритании, которое поддерживало панк-рок.
Милтон Глейзер
If a building becomes architecture, then it is art

Милтон Глейзер - один из самых популярных и знаменитых графических дизайнеров всех времен. Его работа, всемирно известный логотип “I Heart NY”, была разработана в 1970-х годах. Даже Глейзер не предполагал, насколько “культовой” окажется его работа не только для жителей Нью-Йорка, но и для людей по всему миру.
Говорить правду путем дизайна — это было предположение, с которым я вырос. Была некая уверенность, что где-то есть вещь, называемая правдой, а вы ответственны за ее поиск, и сможете также и свою работу разделить на добро и зло. Я из поколения, где существовало понятие истины. Сейчас, к сожалению, такой конструкции больше нет: была разрушена сама идея. У моего поколения было ощущение, что поиск истины — один из важнейших аспектов жизни. Что если нет истины, нет и цели, которую можно использовать в качестве поддержки вашей собственной деятельности. Без понимания правильных и ложных вещей найти правильное направление в жизни невозможно.

Но иногда мне кажется, что дизайн ― не лучшее место для поисков правды. Безусловно в нашем сообществе существует определенная этика, но в ней нет ни слова об отношениях дизайнера с обществом. Говорят, 50 лет назад все что продавалось под этикеткой «телятина», на самом деле было курицей. Но что же тогда продавалось, как курица? Дизайнеры несут не меньшую ответственность, чем мясники. И должны внимательно относится к тому, что они продают под видом телятины. У врачей есть клятва «Не навреди». Я считаю, что у дизайнеров должна быть своя клятва: «Говори правду».​​​​​​​
I (HEART) NY Милтон Глейзер
Ода любви к Нью-Йорку
как зародился легендарный логотип
Глейзер не только родился и вырос в Нью-Йорке, он жил городом и искренне его любил. В 1968 году он вместе с журналистом Клэем Фелкером основал журнал New York и до 1977 года был там арт-директором, разработал логотип издания и нарисовал не один десяток обложек.
Но, конечно, главным признанием в любви к городу стала кампания 1977 года. В середине семидесятых в Нью-Йорке вырос уровень преступности, город стал считаться опасным, перестал привлекать туристов и был на грани банкротства. Правительство штата решило всерьез взяться за развитие туризма и поручило рекламному агентству Wells Rich Greene и Милтону Глейзеру, который с ним сотрудничал, придумать соответствующую кампанию и айдентику.

По легенде, Глейзер придумал простой логотип с сердечком, когда ехал на заднем сиденье такси на встречу с заказчиком. Логотип незатейлив, но полон смысла: шрифт, которым написаны буквы I и NY, — это American Typewriter, распространенный среди американских печатных машинок и прочно ассоциированный с Нью-Йорком. Квадратная композиция основана на работе LOVE художника Роберта Индианы: она была создана в 1970 году и успела стать культовой. Свежепридуманный логотип Глейзер передал мэрии безвозмездно в качестве акта буквального акта признания в любви к Нью-Йорку.
Глейзер думал, что кампания для продвижения туризма продлится всего пару месяцев, но она стала настолько популярной, что затянулась на годы. Сейчас логотип I♥NY приносит штату Нью-Йорк $30 миллионов ежегодно: его печатают на футболках, кружках и другой сувенирной продукции, которая пользуется невероятным спросом у туристов. Идея стала настолько популярной, что правительству приходится регулярно подавать жалобы на тех, кто создает аналогичные логотипы с надписями вроде «я люблю йогу», «я люблю радио» и «я люблю что угодно» (сейчас на счету штата около 3000 таких исков).


Футболка. Кадр из сериала "Друзья"
Футболка с сердечком и вовсе стала культовой вещью. Она считается непременным атрибутом туриста, побывавшего в Нью-Йорке, но также появляется на Чендлере из «Друзей» как часть костюма «американца». Такую же футболку носит Эмма Уотсон, героини сериала «Сплетница» и многочисленные модные блогеры. Футболка вдохновляет модных дизайнеров: например, ее перекроенная версия вошла в коллекцию весна–лето 2013 3.1 Phillip Lim, а марка Eddie Borgo переосмыслила ее в панковском духе.
Питер Сэвилл
Питер Сэвилл
Питер Сэвилл работал на Factory Records в конце 1970-х годов. С тех пор он стал ключевой фигурой в графическом дизайне и культуре стиля. Он помог установить новый стандарт в создании и оформлении обложек альбомов. Благодаря своему смелому, выразительному и элегантному стилю он смог определить образы, которые олицетворяют данный момент. Его работа включала культовую обложку Joy Division "Неизвестные удовольствия". Его проекты настолько убедительны, что вызывают тот же эмоциональный резонанс, что и музыка на альбомах, над которыми он работал.

Питер Сэвилл. "Неизвестные удовольствия"
На сегодняшний день Сэвилл занимается созданием логотипов и брендингом для различных компаний. Не так давно в сотрудничестве с Рафом Симонсом он обновил логотип известного бренда Burberry. Когда Симонс пришел в Calvin Klein, именно Сэвиллу он доверил разработку нового логотипа. На его же счету и известный крокодильчик от Lacoste.
Логотип компании Lacoste автор Питер Сэвилл
Отл Айхер
Отл Айхер - немецкий графический дизайнер и типограф, наиболее известный своими работами для летних Олимпийских игр 1972 года. Он смело использовал пиктограммы и смешал их с яркой палитрой, разработанной на основе цвета баварской системы и строгой системы сеток. С помощью этих элементов ему удалось создать потрясающие визуальные образы, которые принесли ему репутацию в области графического дизайна. Он также известен созданием влиятельной системы общественных вывесок, в которой использовалась простая графика в виде фигурки. Элементы дизайна этой системы по-прежнему широко используются сегодня и остаются влиятельными в области графического дизайна.

Отл Айхер интересен нам в первую очередь тем, что является создателем концепции корпоративной идентичности. Причем его теория касалась как фирменного стиля компании, так и ее философии. Сотрудничество с ним отразилось не только на графическом отображении работавших с ним компаний, но и на становлении их бренда как такового.

Он принимал непосредственное участи в разработке известного логотипа Олимпиады. Правда тогда широкая публика встретила его довольно прохладно - уж слишком он был инновационный для своего времени.
По некоторым источникам логотип изображает корону лучей света и символизирует олимпийских дух, но страница официального описания показывает его более сложную структуру.
Логотип Олимпийских игр 1972 г.
Командой Айхера для Мюнхенской олимпиады был разработан набор уникальных пиктограмм. При их создании была придумана специальная сетка построения, дабы максимально сохранить единство стиля.
Пиктограммы для Олимпийских игр 1972 г.
Командой Айхера для Мюнхенской олимпиады был разработан набор уникальных пиктограмм. При их создании была придумана специальная сетка построения, дабы максимально сохранить единство стиля.

Несмотря на внешнюю простоту, фигуры отлично передают динамику движения и прекрасно вписались в общий стиль.
Этот набор пиктограмм затем использовался еще в 1976 году на летней Олимпиаде в Монреале и в 1988 - на зимней олимпиаде Калгари.

Весьма интересна также серия олимпийских графических плакатов.

пиктограммы Олимпийских игр 1972
пиктограммы Олимпийских игр 1972
пиктограммы Олимпийских игр 1972
плакат Олимпийских игр 1972><meta itemprop=
Еще один из них. Удивительно, насколько свежо и современно выглядит этот плакат, даже несмотря на то, что сделан он 40 лет назад.

Также Айхер известен своей типографикой. В 1988 году Отл Айхер выпускает книгу «Типография» и создает свой знаменитый шрифт Rotis.
шрифт Rogis
Герб Любалин
"Великий американский русский" - так называли в народе великого дизайнера двадцатого века Герба Любалина. Несмотря на свои русские корни, Любалин родился , учился, жил и работал в Нью-Йорке, и вряд ли был еще такой графический дизайнер в США в 60-х, 70-х годах, который был бы так высоко оценен публикой и критикой.

Любалин с самого начала ориентировался на борьбу с предрассудками в издательском деле. Реализация инновационных концепций стала его коньком. Начал инновации он с себя, сократив неуклюжее и пафосное имя Герберт Фредерик до предельно знакового — Герб. В начале 40-х Герб Любалин становится арт-директором, сначала в Reiss Advertising, а затем в Sudler & Hennesey Inc, с 1945-го одновременно занимая пост вице-президента компании.

Мастер леттеринга , создавая логотипы, он создавал шедевры, которыми восхищались не только эксперты, но и широкая публика.

Новая журнальная эстетика требовала новых шрифтов, и Любалин засел за их проектирование. Самым из­вест­ный в последствии, стал шрифт ITC Avant Garde Gothic, ко­торый, по утверждению журнала ПараТайп, не толь­ко пов­ли­ял на раз­ви­тие гра­фичес­ко­го ди­зай­на и типографики второй половины XX века в Америке и Европе, но и послужил мощным толчком для развития советского шриф­то­вого про­ек­ти­рова­ния в 80-хх годах.

В 1968 го­ду запустили но­вый журнальный проект, под наз­ва­ни­ем Avant Garde, в ко­тором Лю­балин снова за­нял должность арт-ди­рек­то­ра. Пер­вая проб­ле­ма, с ко­торой ему приш­лось столк­нуть­ся была следующей — логотип Avant Garde в на­боре выглядел очень «рых­лым» и не соответствовал но­ваторскому духу издания. Эта ситуация и привела к по­яв­ле­нию зна­мени­того ло­готи­па. Шрифт, разработанный Любалиным для лого журнала и лег в основу ди­зай­на бу­дуще­й гарнитуры с одноимённым названием Avant Garde Gothic.

Последние годы жизни он был главным редактором профессионального журнала-газеты по шрифту «U&lc» (сокращённо от «upper and lower сase», буквально: «прописные и строчные буквы»), который стал настоящим учебником типографики для множества дизайнеров во всем мире.